Hola a todos/as. De nuevo hemos montado en la Sala de Exposiciones de nuestro Colegio nuestra tradicional Exposición de Navidad.
Este año, como siempre, hemos llenado la sala de obras realizadas en diferentes técnicas y estilos, llenas de color, creatividad y, sobre todo, ilusión. Hemos participado, en esta ocasión, 17 de los 48 miembros que componemos esta Asociación.
Permitidme, desde este foro, dirigirme a todos/as para darles las gracias por su participación y colaboración, sin la cual esta exposición nunca hubiese podido llegar a buen término, y, en especial, darles la bienvenida a dos nuevos médicos artistas que se han unido a nuestro grupo, Ernesto Renuncio Ortega y Enrique Serra Mateo.
Tras el montaje de la exposición que hicimos el día 13 de Diciembre por la tarde y que, a pesar de la mala prensa de los martes y 13, realizamos sin incidentes, al día siguiente, 14 de Diciembre, la inaugurábamos.
Comenzamos el acto inaugural en el Salón Chuliá-Campos. Primero nuestra Presidenta del Colegio, la Doctora Mercedes Hurtado, nos dirigió unas cariñosas y amables palabras agradeciendo que, de nuevo, llenemos de arte nuestra sede colegial; posteriormente se impartió una conferencia titulada "¿Como...? (Reflexiones ante una obra pictórica)"
Este año me correspondió a mí este cometido, así que, basándome en mi propia experiencia durante los 5 años de Licenciatura en Bellas Artes, quise compartir con todos los asistentes algunos conocimientos de la técnica pictórica para que les sirviesen de ayuda, a la hora de visitar una exposición o un museo y situarse frente una obra pictórica, a no sólo mirar sino "ver".
Os deseo a todos una muy Feliz Navidad 🎄
Dra Mª Luisa Esparcía García
Presidenta de la Asociación
(Si alguien no asistió o quiere recordar algunos conceptos, puede leer un resumen de la conferencia al final de esta entrada)
GALERÍA FOTOGRÁFICA
RESUMEN DE LA CONFERENCIA
Comenzamos la conferencia visitando una exposición de pintura ficticia, formada por obras de distintas épocas (desde el antiguo Egipto hasta la actualidad) y realizadas con diferentes técnicas.
El objetivo de esta visita es dar una "primera pista" para "ver" una pintura: Hay que mirar la cartela que los museos colocan al lado de la obra y buscar el año en el que se pintó, y también leer la técnica utilizada.
El año (si es anterior a finales del siglo XIX) nos situará dentro de una época determinada y de una corriente artística definida, lo que nos puede facilitar identificar el ESTILO de la obra (la forma en la que el pintor aborda la representación de la imagen), renacimiento, barroco, neoclasicismo...
La TÉCNICA (el material con el que fue pintada) se indica de la siguiente forma: primero la PINTURA y después el SOPORTE, por ejemplo, óleo sobre lienzo.
La PINTURA está formada por dos componentes, los PIGMENTOS (sustancias con color, de origen vegetal, animal o mineral) y el AGLUTINANTE (sustancia que se une al pigmento y permite que se adhiera al soporte). En función del aglutinante que contengan las pinturas reciben diferente nombre:
El SOPORTE es la superficie sobre lo que está pintado. Se puede pintar sobre muchas superficies, lo más común es pintar sobre madera o sobre tela. Si está pintado sobre tela nos indicarán en el texto de la cartela, sobre lienzo; si está pintado sobre madera nos indicarán sobre tabla.
Mención especial merece la técnica de PINTURA AL FRESCO: Esta es una técnica de pintura mural (se llama así a todas las pinturas pintadas sobre paredes), cuya característica fundamental es que se pinta sobre el enfoscado húmedo (fresco) con los pigmentos diluidos sólo con agua. Cuando el enfoscado (de yeso principalmente) fragua, engloba dentro de sí a los pigmentos actuando como aglutinante. Para pintar al fresco los pintores lo hacen por JORNADAS, cubren con enfoscado sólo el trozo de muro que creen que van a poder pintar ese día, ya que al día siguiente habrá fraguado y ya no servirá para pintar con esta técnica.
En nuestro recorrido por la exposición llegamos a una obra de Monet de finales del siglo XIX. A partir de aquí ya no podremos asociar la fecha de creación con el estilo tan fácilmente, ya que coexistirán estilos pictóricos muy diferentes, y eso sucederá desde entonces hasta nuestros días. Esto se debe a que a finales del siglo XIX a la pintura le surge un "competidor", la fotografía.
La pintura hasta ese momento tenía como función reproducir la realidad (en retratos, paisajes...) pero la fotografía también lo hace y de forma mucho más fiel. En este momento los pintores ven peligrar su oficio, y por ello surgen diferentes movimientos reivindicativos de los distintos valores de la pintura frente a la fotografía. Estos movimientos o corrientes artísticas con estilos diferentes son las denominadas PRIMERAS VANGUARDIAS.
El primer movimiento que surge es el IMPRESIONISMO, que resalta lo que la fotografía es ese momento no tiene y la pintura sí, el color. Tras estos pintores vanguardistas surgen otros movimientos artísticos de vanguardia, el expresionismo, el surrealismo, el cubismo....
El expresionista alemán Kandinsky, pinta a principios del siglo XX el primer cuadro abstracto. Basándose en la corriente de pensamiento de la época que habla de la abstracción, traslada este concepto a la pintura, "a mayor abstracción mayor realidad". La pintura es más real, tiene más valor en sí misma, cuanto menos represente; no necesita representar lo que le rodea para existir.
Un cuadro abstracto no representa, se presenta, ("yo soy la pintura") . Nos muestra los valores intrínsecos de la pintura; colores, formas, textura, composición... en él no debemos buscar imágenes concretas de nuestro entorno conocido, sólo "verlo".
Tras las dos guerras mundiales surgen otros movimientos pictóricos, esta vez en Estados Unidos, las SEGUNDAS VANGUARDIAS, el expresionismo abstracto, el pop-art...
Llegamos así hasta nuestros días. En la actualidad coexisten infinidad de estilos pictóricos, herederos de las vanguardias, pero lo más destacable en nuestra época en referencia a la pintura es la introducción de una nueva herramienta, fundamental en la creación pictórica actual, la tecnología digital.
Tras finalizar nuestra visita, seguro que más de uno de nosotros se habrá preguntando, delante del cuadro que más le haya llamado la atención, ... ¿Cómo lo ha hecho?
Para darle la respuesta a estos "curiosos", partiremos de esta obra del pintor del romanticismo, Ingres, e intentaremos reproducir un fragmento de la tela del vestido. (Señalado con cuadro negro en la imagen)
El resultado de este estudio se aproxima bastante al original, así que nos disponemos a extrapolar lo que hemos hecho en este dibujo con carbón a una pintura para, de este modo, reproducir el fragmento de tela. Pintaremos con óleo negro las zonas plegadas y con blanco las zonas más claras y simultáneamente las fundiremos con óleo azul.
El resultado obtenido no es muy satisfactorio, así que vamos a intentarlo de nuevo, pero esta vez haremos las sombras de los pliegues con el color complementario del azul, en lugar de hacerlo con negro.
Alguno se estará preguntando, ¿qué es el color complementario?
En pintura existen tres colores fundamentales, los COLORES PRIMARIOS, el rojo, el amarillo y el azul. Si los mezclamos entre sí obtendremos los COLORES SECUNDARIOS, el verde, el violeta y el naranja. El color complementario de cada color primario es el color secundario resultante de la suma de los otros dos.
Cuando los colores complementarios se mezclan entre sí, obtenemos unos colores parduzcos que son apropiados para pintar sombras. Como estamos pintando una tela azul, haremos las sombras con su color complementario, el naranja.
La TÉCNICA (el material con el que fue pintada) se indica de la siguiente forma: primero la PINTURA y después el SOPORTE, por ejemplo, óleo sobre lienzo.
La PINTURA está formada por dos componentes, los PIGMENTOS (sustancias con color, de origen vegetal, animal o mineral) y el AGLUTINANTE (sustancia que se une al pigmento y permite que se adhiera al soporte). En función del aglutinante que contengan las pinturas reciben diferente nombre:
AGLUTINANTE /PINTURA
Aceite/ Oleo
Cera/ Encaústica
Látex/Acrílico
Goma arábiga/ Acuarela
Mención especial merece la técnica de PINTURA AL FRESCO: Esta es una técnica de pintura mural (se llama así a todas las pinturas pintadas sobre paredes), cuya característica fundamental es que se pinta sobre el enfoscado húmedo (fresco) con los pigmentos diluidos sólo con agua. Cuando el enfoscado (de yeso principalmente) fragua, engloba dentro de sí a los pigmentos actuando como aglutinante. Para pintar al fresco los pintores lo hacen por JORNADAS, cubren con enfoscado sólo el trozo de muro que creen que van a poder pintar ese día, ya que al día siguiente habrá fraguado y ya no servirá para pintar con esta técnica.
En nuestro recorrido por la exposición llegamos a una obra de Monet de finales del siglo XIX. A partir de aquí ya no podremos asociar la fecha de creación con el estilo tan fácilmente, ya que coexistirán estilos pictóricos muy diferentes, y eso sucederá desde entonces hasta nuestros días. Esto se debe a que a finales del siglo XIX a la pintura le surge un "competidor", la fotografía.
La pintura hasta ese momento tenía como función reproducir la realidad (en retratos, paisajes...) pero la fotografía también lo hace y de forma mucho más fiel. En este momento los pintores ven peligrar su oficio, y por ello surgen diferentes movimientos reivindicativos de los distintos valores de la pintura frente a la fotografía. Estos movimientos o corrientes artísticas con estilos diferentes son las denominadas PRIMERAS VANGUARDIAS.
El primer movimiento que surge es el IMPRESIONISMO, que resalta lo que la fotografía es ese momento no tiene y la pintura sí, el color. Tras estos pintores vanguardistas surgen otros movimientos artísticos de vanguardia, el expresionismo, el surrealismo, el cubismo....
El expresionista alemán Kandinsky, pinta a principios del siglo XX el primer cuadro abstracto. Basándose en la corriente de pensamiento de la época que habla de la abstracción, traslada este concepto a la pintura, "a mayor abstracción mayor realidad". La pintura es más real, tiene más valor en sí misma, cuanto menos represente; no necesita representar lo que le rodea para existir.
Un cuadro abstracto no representa, se presenta, ("yo soy la pintura") . Nos muestra los valores intrínsecos de la pintura; colores, formas, textura, composición... en él no debemos buscar imágenes concretas de nuestro entorno conocido, sólo "verlo".
Tras las dos guerras mundiales surgen otros movimientos pictóricos, esta vez en Estados Unidos, las SEGUNDAS VANGUARDIAS, el expresionismo abstracto, el pop-art...
Llegamos así hasta nuestros días. En la actualidad coexisten infinidad de estilos pictóricos, herederos de las vanguardias, pero lo más destacable en nuestra época en referencia a la pintura es la introducción de una nueva herramienta, fundamental en la creación pictórica actual, la tecnología digital.
Tras finalizar nuestra visita, seguro que más de uno de nosotros se habrá preguntando, delante del cuadro que más le haya llamado la atención, ... ¿Cómo lo ha hecho?
Para darle la respuesta a estos "curiosos", partiremos de esta obra del pintor del romanticismo, Ingres, e intentaremos reproducir un fragmento de la tela del vestido. (Señalado con cuadro negro en la imagen)
Comenzaremos estudiando la imagen en blanco y negro con carbón.
El resultado de este estudio se aproxima bastante al original, así que nos disponemos a extrapolar lo que hemos hecho en este dibujo con carbón a una pintura para, de este modo, reproducir el fragmento de tela. Pintaremos con óleo negro las zonas plegadas y con blanco las zonas más claras y simultáneamente las fundiremos con óleo azul.
El resultado obtenido no es muy satisfactorio, así que vamos a intentarlo de nuevo, pero esta vez haremos las sombras de los pliegues con el color complementario del azul, en lugar de hacerlo con negro.
Alguno se estará preguntando, ¿qué es el color complementario?
En pintura existen tres colores fundamentales, los COLORES PRIMARIOS, el rojo, el amarillo y el azul. Si los mezclamos entre sí obtendremos los COLORES SECUNDARIOS, el verde, el violeta y el naranja. El color complementario de cada color primario es el color secundario resultante de la suma de los otros dos.
Cuando los colores complementarios se mezclan entre sí, obtenemos unos colores parduzcos que son apropiados para pintar sombras. Como estamos pintando una tela azul, haremos las sombras con su color complementario, el naranja.
El resultado obtenido tampoco es lo que estábamos buscando, así que parece que deberemos volver a hacernos la misma pregunta: ¿Como lo hacen? ¿Cómo se consigue esa imagen casi fotográfica? ¿Porqué los cuadros que hemos visto son tan armónicos? ¿Como se consiguen esos contrastes?
Curiosamente, aunque hemos visto pinturas de épocas diferentes, de distintos estilos, y realizadas con técnicas diversas, la respuesta a esas preguntas es siempre la misma:
ESTRUCTURACIÓN DEL COLOR
Todo lo que hemos preguntado se consigue estructurando el color, osea, pintando no con colores sino con estructuras.
Pero... ¿Qué es una estructura de color?
Una estructura de color es UNA MEZCLA DE COLOR FORMADA POR AL MENOS UN ROJO, AL MENOS UN AZUL Y AL MENOS UN AMARILLO, osea, una mezcla que contiene los tres colores primarios.
Imaginemos que tenemos que pintar una tela roja. Si en lugar de partir de un color rojo que luego vamos mezclando con otros colores para obtener matices, partimos de una estructura formada por, como en la imagen superior, cuatro rojos, cuatro azules y dos amarillos, y luego vamos haciendo diferentes combinaciones de color añadiendo un poco de cada uno de los colores que conforman la estructura, obtendremos una enorme cantidad de rojos diferentes.
Además de rojos, azules y amarillos podemos añadir a las estructuras otros colores, como los colores tierras y ocres, y también todos los colores que tengamos en nuestra paleta. Si a todas las estructuras de diferentes colores que hagamos para pintar un cuadro les integramos todos los colores que tenemos en la paleta, crearemos un NEXO entre todas las zonas del cuadro. De esta forma obtendremos una continuidad visual que favorecerá la lectura de la obra.
Pintar con estructuras, osea, estructurar el color y crear un nexo, es lo que crea armonía y contraste en las obras, sin saltos visuales molestos, porque todo el cuadro estará pintado con pinceladas que contienen la misma mezcla de colores pero en proporciones diferentes. (Un buen ejemplo es este cuadro de Van Gogh)
Además de rojos, azules y amarillos podemos añadir a las estructuras otros colores, como los colores tierras y ocres, y también todos los colores que tengamos en nuestra paleta. Si a todas las estructuras de diferentes colores que hagamos para pintar un cuadro les integramos todos los colores que tenemos en la paleta, crearemos un NEXO entre todas las zonas del cuadro. De esta forma obtendremos una continuidad visual que favorecerá la lectura de la obra.
Pintar con estructuras, osea, estructurar el color y crear un nexo, es lo que crea armonía y contraste en las obras, sin saltos visuales molestos, porque todo el cuadro estará pintado con pinceladas que contienen la misma mezcla de colores pero en proporciones diferentes. (Un buen ejemplo es este cuadro de Van Gogh)
La estructuración del color también es la que hace posible lograr ese realismo fotográfico de algunas obras. Se desarrolla la estructura en pequeñas pinceladas que difieren en color muy poco de la anterior y se van fundiendo entre ellas.
Nos hemos aproximado mucho más a la imagen de referencia, pero sólo es un trocito de tela...
(Podemos intuir las pinceladas al aplicar el zoom sobre un fragmento de este cuadro de Tiziano)
Ahora que ya conocemos la respuesta, intentaremos de nuevo reproducir el fragmento del cuadro de Ingres, pero esta vez lo haremos estructurando el color.
¿Seríamos capaces de aproximarnos a un cuadro clásico solamente estructurando el color?
Piero di Cosimo
Retrato de Simonetta Vespucci.
1480. Oleo sobre tabla
(Los cuadros que formaron parte de la conferencia se colgaron tapados, se destaparon después de la conferencia, cuando entramos en la Sala de Exposiciones para disfrutar del vino de honor)
